Desde ese momento quedé muy inquieto por experimentar esa nueva manera de apreciar el cine. Y sólo fue hasta un año después, cuando ingresé a una de estas salas en la ciudad de Bogotá, que pude hacerlo. La película que decidí ver fue “Avatar” del reconocido James Cameron. Además de verla en IMAX, la vería también 3D. Para qué pedir más.

Las sillas son muy cómodas, las gafas tan amplias que al observar a los demás espectadores parecían un grupo de moscas. Las primeras imágenes me dejaron muy impactado, lo suficiente al menos para sentirme como si fuera parte del set.

“Avatar” cuenta la historia de Jake Sully, un ex combatiente que quedó  atrapado en su silla de ruedas. A pesar de ello y por su espíritu guerrero es convocado para una misión especial.

Su objetivo es viajar al futuro a través de los “Avatar”, un programa en donde controladores humanos tienen sus conciencias conectadas a un cuerpo biológico controlado remotamente. Estos avatares son híbridos genéticamente manipulados de tal forma que se mezcla adn humano con adn  de una raza de nativos del planeta Pandora conocida como los Na´vi.  Los habitantes de este mágico mundo son seres muy altos con de piel azul y una lengua y cultura propias.

Cuando Jake toma la forma de Avatar recupera el movimiento de sus piernas.  Desde  ese instante su principal propósito consiste en infiltrarse entre los Na´vi porque se han convertido en un obstáculo para extraer un precioso mineral que es la clave para solucionar la crisis de energía en la Tierra.

En medio las muchas escenas de acción y aventura hay, además, una historia de amor. De alguna forma esta película me remontó a nuestra historia; a esos indígenas  a quienes usurparon su cultura los conquistadores.

Una impecable sonorización y manejo de los efectos especiales; la narrativa es trepidante y la película termina siendo una excelente propuesta para divertirse en esta época de vacaciones.

«¿Cómo se dice 22 en Innu?», es la pregunta que hace un joven de la tribu Naskapi, que recorrió desde el campo a la ciudad, en busca de otros aborígenes, que hoy en día viven adaptados a las costumbres de la ciudad. -«Nishunnu ashu nish^u»,, le responden. «¿Cómo se dice 1.000 en Innu?: peikutshishemitashumitannu». El Innu es la lengua materna de esta tribu que se encuentra aún viva en Canadá. «¿Cómo se dice un millón?»; esta vez ninguno de los encuestados responde. Creen que no existe ese número en Innu ya que la tribu nunca pensó nada en esa cantidad, ni de población, ni de animales, ni de tierras.

El joven decidió volver al campo, y preguntarle a un anciano Naskapi: – «¿cómo se dice un millón», a lo que el anciano respondió en Innu con la cifra en cuestión.

Este relato pertenece a un cortometraje que tuve el gusto de ver en una exhibición gratuita de la Cineteca Nacional, realizado por un joven Naskapi y que representa su grito ante la perdida de la cultura.

En Canadá existe la Corporación Wapikoni Mobile, creada por Manon Barbeau,  con la colaboración de “L´Office Nacional Du Film Du Canada”, que nace bajo la premisa de: «darle la palabra a los jóvenes de las primeras naciones», como declara la creadora de la corporación refiriéndose a los aborígenes de una zona de Canadá, los Naskapi.

El proyecto consiste en viajar, a través de dos casas rodantes, por distintas comunidades aborígenes de Canadá. Estas casas rodantes están readaptadas y equipadas con un estudio audiovisual. Tiene incorporada una mesa de edición (consistentes en dos Mac G5 con Final Cut para la edición de imagen y Pro Tools para el audio), una sala de audio cerrada, tres cámaras semiprofesionales (las famosas PD-170), mesas de reuniones, además de un grupo de “cineastas capacitadores”.

Estos estudios móviles y rodantes llegan a cada comunidad y capacitan a los jóvenes que ahí viven para que estos emprendan proyectos audiovisuales que les permitan expresar sus ideas, inquietudes y miradas de su entorno. Luego, plasman todo en distintos formatos audiovisuales: video clip, cortometrajes, micro-documentales y animación.

Tienen grabaciones hechas desde el 2004 y llevan alrededor de 13 millones de piezas audiovisuales. Las principales preocupaciones que manifiestan los jóvenes son: la pérdida del lenguaje nativo, el Innu; la dificultad en encontrar su propia identidad al vivir entre campo y la ciudad; la pérdida de respeto a sus ancestros y, finalmente, las consecuencias que tienen cada uno de estos hitos en sus vidas y su generación.

Wapikoni Mobile pasó por Chile, enmarcado en una gira internacional que realizan acompañados de algunos jóvenes realizadores Naskapi con el fin de difundir su cultura, mostrar las piezas audiovisuales, que son de gran calidad y por último dar cuenta del tipo de proyecto que se puede emprender.

Visionamos más de 10 cortometrajes, todos con subtítulos en español. Y un detalle que pueden apreciar los amantes del cine es que los créditos de cada pieza estaban todos traducidos al español, tanto los del comienzo como los del final.

Otra actividad que realizaron fue visitar algunas comunidades mapuches en el sur de Chile. Y cerraron la gira en nuestro país con una muestra audiovisual en la Cineteca Nacional, apoyada por la Embajada de Canadá. Era “la gran noche”, como ellos mismo indicaron, y realizaron un acto en vivo, en donde una realizadora Naskapi cantante, interpretó tres temas preciosos en guitarra y percusión, todo con una naturalidad y espontaneidad muy agradables, que nos movilizó a todos los presentes a seguir el ritmo de su canto con los pies hasta incorporarnos de las butacas como si danzáramos. Espectacular.

Esta gran noche cerró con sólo 15 espectadores en sala de la Cineteca, a pesar de que la entrada era liberada. De todos modos, el aplauso que se llevaron representó fielmente a las varias butacas que quedaron vacías.

Pueden seguir este proyecto leyendo en la página principal de Wapikoni Mobile, o bien, consultando en la Embajada de Canadá.

Link de interes:

http://www3.nfb.ca/aventures/wapikonimobile/excursionWeb/index.php (página oficial del proyecto)

http://www.youtube.com/watch?v=N9AfokI40uA (un video clip)

http://www.youtube.com/user/lewapikonimobile (algunos videos de Wapikoni)

“Un documental – define – es una historia contada y fabricada con elementos de la realidad. La realidad no es objetiva, de hecho, es tan subjetiva y caótica que para acercarnos a ella debemos transformarnos en un jazzman, y saber improvisar en todo momento” – refiriéndose a la figura del realizador documental.

A lo largo de las cinco jornadas, el director de “La Batalla de Chile” aborda el documental de autor, esquematizando cada clase según las partes en las que se divide el proceso de la realización de un documental, que el mismo define en: idea, dispositivo, sinopsis, investigación, guión imaginario, presupuesto y metodología del rodaje, para luego lanzarse de lleno a la grabación.

Después de cada explicación ejemplifica con un fragmento escogido de algún documental. La myoría eran piezas extranjeras que no transitan por nuestro país, por lo que los asistentes pudimos gozar de una muestra privilegiada.

Uno de los primeros documentales que mostró y que hasta ahora recuerdo, porque se me ha venido a la cabeza día a día, trataba sobre un artista belga y se titulaba “Tras Los Pasos de Francis Alÿs” (2006), de Julien Devaux. Patricio estaba explicando aquellos documentales que comienzan con un plano inolvidable. Se los relato:

En negro, escuchamos una respiración agitada, vemos un par de créditos. Se abre el plano y vemos algo así como un desierto, y al fondo un enorme remolino de viento y polvo. La respiración se agita más, distinguimos que le pertenece al cameraman. El remolino parece irse hacia un costado, y el camarógrafo sale al encuentro. La cámara es inestable debido al trote del hombre de la cámara, pero se ve todo con mucha claridad. El torbellino se acerca a toda velocidad hacia él, con una fuerza colosal que termina por sobrepasarlo, sin titubear. Es muy impactante, y resultó ser que era el mismo Francis Alys quien hacía la cámara, puesto que estaba realizando una performance.

Con ese comienzo se tiene asegurado por lo menos veinte minutos de espectador, afirma Patricio Guzmán, entre risas de nosotros, los asistentes.

Visionamos casi un centenar de piezas audiovisuales, que me pregunto dónde podré conseguir para verlas completas. ¿Por qué no existen en Chile agentes culturales que distribuyan documentales? Y es que obras de esa calidad, estoy segura, muchos las querrían ver.

Las cadenas televisivas chilenas; las cadenas de cine; la de arriendos de videos y “productores de programación” -que nadie conoce-, dicen y fomentan que nadie quiere ver documentales, porque son lentos y aburridos, pero la verdad es que eso no pasa del prejuicio, y lo digo después de haber visionado varios documentales de diferentes temáticas y procedencias.

Guzmán cree que el documental es como la música de cámara, con pocos elementos en escena, pero que requiere un canal inteligente de exhibición. La música de cámara, por ejemplo, tiene un lugar especial  para que su ejecución sea bien recibida por el público, y el cine documental también necesita un espacio adecuado. Claramente no sería buena idea colocar un documental junto a la sala de un súper estreno de la taquilla norteamericana.

Para ir cerrando, en líneas generales la definición y posible “función” hoy en día del documental de autor es: la interpretación personal de un tema, parecido a una fotocopia retocada de la realidad, como el mismo Guzman ejemplifica. Es un género que se presenta ante el realizador como un camino de conocimiento, por el cual se exploran vidas y temáticas infinitas que permite introducirnos en la vida y en nuestro entorno. Ante la sociedad y los espectadores se articula, en muchos casos, como la contra-información de estos tiempos. Tiempos en que estamos enfrentados ante una televisión con un infantilismo audiovisual desbordante y medios de comunicación que se mueven entre lo farandulero y el atontamiento ciudadano.

Me pregunto, ¿Quién dijo que los chilenos no queremos ver documentales?, y ¿quién dijo que preferimos realities en nuestro canales nacionales? ¿Cuántos de nosotros preferiríamos ver “Tras Los Pasos de Francis Alÿs”, en vez de algún capítulo de un programa farandulero? O me pregunto: ¿cuánto sabemos de los presos de Tazmamart, en Marruecos? (es un documental espectacular que se llama “Vivir en Tazmamart” (2005), de Davy Zilberfajn), ¿quién dice que preferimos ver telebasura antes que ver un buen documental?: ¡El raiting!. ¿El raiting?… Vamos…

Si quieren informarse más, les cuento que Patricio Guzmán realiza este seminario casi todos los años, y la verdad es un lujo escuchar y dialogar con este tremendo documentalista nacional, que no se cansa de luchar y filmar nuestro Chile, para que aquellos que olvidan, no olviden; para aquellos que no miran, miren; para aquellos que no escuchan, escuchen y para aquellos que no saben, sepan  y así podamos construir una sociedad de verdad, menos cínica y más conectada con nuestra identidad.

Enlaces recomendados:

http://www.culdoc.cl/ (corporación cultural documental)

http://www.patricioguzman.com/

Después de conversar con Boaz, Ari necesitó imperiosamente remover los recuerdos de su militancia en la guerra y reencontrarse, por muy doloroso que fuera, con la historia de Bashir y de la masacre de Sabra y Shatila.

A la conversación con Boaz, le sucedieron entonces una serie de conversaciones y entrevistas que el mismo Ari realizó, uno a uno, a sus amigos de aquella época y también a ciertas personalidades, como el aclamado periodista de guerra Ron Ben-Yishai, quien fuera corresponsal de guerra.

¿Qué tiene Waltz with Bashir además de los notables diálogos que sostiene Ari y la potente historia que los contextualiza? Su innovadora forma que mezcla la investigación documental con la frescura de la ilustración animada.

Según ha contado en varias entrevistas David Polonsky, director artístico y responsable en su mayoría de la ilustración y animación de la película, Ari Folman le propuso realizar este documental, pero en formato animado, sobre esta historia personal que lo ha marcado profundamente debido a su participación como soldado en la Guerra del Líbano. El resultado ha sido especialmente bello. La estética de la animación – que utilizó técnicas basadas en el popular programa Flash, más económica pero sin arriesgar un ápice de calidad – combinada con un guión bien elaborado, personajes bien caracterizados y suaves transiciones que permiten al espectador vivir junto a Ari su experiencia catártica, hacen de Waltz with Bashir una pieza de arte valiosísima.

Además de jugarse por una estética innovadora, Ari Folman también apostó a la temática. Por un  lado está el perfil de la guerra desde la vivencia que cada uno de los entrevistados narra.  Desde este punto de vista, casi todos los que participaron de una u otra forma, tienen en común cierta indiferencia con esa época, paz con sus recuerdos, a fin de no volverse locos por algún remordimiento. Por otro lado, está el perfil del presidente libanés Gemayel Bashir, cristiano maronita que gozaba de gran adhesión de su pueblo y cuyo asesinato desató sucesos trágicos, entre otros, la masacre de Sabra y Shatila, una cruenta intervención en el campo de refugiados palestinos que llevaba dicho nombre y que en cierta medida fue posible gracias a la indiferencia u omisión de las fuerzas israelíes que circundaban el campamento. Es por esto que Waltz with Bashir se transforma en una especie de exorcismo, de catarsis, en la que Ari Folman recaba hasta el último dato que necesita para reconstruir el recuerdo de su participación como soldado en una guerra que involucró una masacre indescriptible, aun cuando él no hubiese participado directamente de la misma. El ejercicio de buscar a cada uno de sus amigos y preguntarles por ese hecho que todos prefirieron olvidar para continuar sanamente con sus vidas, no es otra cosa que una pelea contra el olvido. Y el mejor campo para librar una batalla en contra del olvido es, sin duda, el arte. Ari lo sabe y por lo mismo se arma de valor para emprender el camino que lo llevará a recomponer recuerdos, unir distintas visiones de esa época y reconciliarse con el soldado que fue, pero que había decidido borrar de su memoria.

El espectador no especializado que se dirige a disfrutar la película sin pretensiones de criticarla profesionalmente, termina tan impresionado y sorprendido como los críticos que la han alabado puesto que el giro dramático que Waltz with Bashir toma enfrenta a ese Ari Folman joven y soldado, con imágenes ya no animadas, sino reales, de las mujeres que gritan y claman el horror de la muerte que las rodea. Esta escena es poderosa en la película y se transforma en un golpe para cualquier espectador a fin de que no todo se quede en el terreno de lo animado y, por un instante, como el mismo Ari, todos recordemos que el origen de esa película es un sangriento hecho real.

Vale decir para comenzar que La Fura dels Bauls es una compañía de teatro caracterizada por reinterpretar lo que sea (la historia, la literatura) con humor. Un humor sutil, tal vez cargado hacia el absurdo y el sarcasmo, pero un humor que para nada se contrapone con sus representaciones.

La Fura dels Bauls ha tomado uno de los grandes clásicos de la literatura, “Fausto”, del escritor alemán Johann Wolfgang von Goethe, obra que se ubica a medio camino entre el romanticismo y la modernidad y que ha sido reinterpretada según el devenir contemporáneo por esta compañía de teatro alternativo y llevada al cine en el año 2001, con dirección de Isidro Ortíz, Alex Ollé y Carlos Padrissa.

En esta película, el doctor Fausto (interpretado magistralmente por Miguel Ángel Solá) es un exitoso médico especialista en medicina terminal cansado de una vida rodeada de muertes que en la mayoría de las ocasiones no puede evitar. Su asistente, Julia, quien lo ama en secreto lo salva de un suicidio que parecía inminente aunque estuviera precedido de la duda y que lo lleva a tomar finalmente ese tren con destino a una ciudad decadente en donde dará una conferencia en un congreso de medicina terminal.

El doctor Fausto creía que durante esos días conviviría solamente con sus angustias y deseos de morirse, hasta que apareció, de la nada, un tipo que lo reconoció. Aparentemente el doctor Fausto le había sacado el estómago y lo había salvado. Este hombre que se presenta como Santos Vella (interpretado también magistralmente por Eduard Fernández), vendría siendo el Mefistófeles moderno. Uno, por lo demás, muy particular: cada una de sus reflexiones es un sarcasmo, una oda al humor negro y un juego con la angustia del protagonista. Es aquí entonces en donde uno se debe sacar el sombrero para saludar al excelente guionista de esta película, Fernando León de Aranoa.

Mientras el congreso transcurre, Santos Vella, el Mefistófeles moderno, obliga al doctor Fausto a reflexionar sobre una coyuntura de vida que probablemente han vivido más de la mitad de los humanos alguna vez y que, por lo mismo, conserva la esencia de la obra original dentro de la interpretación contemporánea que se hace, esta coyuntura no es otra que el paso del tiempo versus lo que se ha vivido. Santos Vella le exige al doctor Fausto, antes de tentarlo, que considere las cosas que ha hecho en su vida, lo lleva a través de diálogos muy lúcidos a sentirse atrapado en una vida miserable: siguiendo las rutinas, rindiéndose ante las convenciones y los actos políticamente correctos. Antes de tentar, este Mefistófeles se preocupa de traspasar al doctor Fausto en esa parte sensible de su vida: la rutina.

Durante unos días, el doctor Fausto entrará en una especie de trance: todo lo que desea en la vida es posible; va a vivir la fiesta más desquiciada y desenfrenada; tendrá sexo con Margarita, que en esta versión es una adolescente de manos azules (interpretada por la actriz Raquel González) y, ante todo, perderá indefinidamente la capacidad de medir las consecuencias de lo que hace. Pasó de ser prisionero a ser libre, pero en la libertad vuelve a encontrar la prisión. Y tendrá qué decidir con qué se queda.

Del otro lado está Julia, la asistente del doctor Fausto, una mujer abnegada, enamorada hasta la médula, feliz con muy poco: una mirada, una sonrisa. Santos Vella con sus maquinaciones y diabluras la puso en aparente peligro y de esta forma el doctor Fausto tuvo una especie de empujón (que no tiene el original Fausto de la obra literaria) mental que lo llevó a  discernir y decidir, definitivamente, que lo que realmente deseaba era la muerte del diablo.

Esta película, estrenada en 2001, se llevó varios galardones en importantes festivales y sus protagonistas, Miguel Ángel Solá y Eduard Fernández, también fueron reconocidos internacionalmente. El primero es un actor argentino de vasta trayectoria, que en esta película logra una interpretación impecable del doctor Fausto, dándole vida a sus angustias y a sus dudas. Mención aparte merece Eduard Fernández, un actor de origen catalán y también de vastísima trayectoria, que encarna a este Mefistófeles moderno; un tipo grosero, burdo, metiche, hablador; un tipo inaguantable que logra desquiciar la paciencia del más aplomado. Un tipo de lengua filosa y sagacidad mental únicas, logro que va de la mano del guión.

Otra mención aparte merecen la fotografía, las locaciones escogidas para filmar ciertas escenas (como el congreso médico), las coherencias temáticas (el doctor Fausto tiene una apasionada noche de sexo con una bella y joven Margarita, nada menos que en el pabellón de cardiología de un hospital abandonado) y las actuaciones de Raquel González (Margarita) y Najwa Nimri quien interpreta a Julia.

Está visto entonces, y sorprende gratamente saberlo, que La Fura dels Bauls tiene la capacidad de moverse en el cine, con la misma soltura, elegancia y prestancia que lo hace en el teatro.