Una muestra itinerante de reproducciones en tamaño real de 122 obras del Museo del Louvre de París, se encuentra ubicado en el barrio popular La Boca, en Argentina, durante tres meses.

Esta iniciativa, titulada “Imágenes del Louvre. Seis siglos de pintura europea”, comenzó como una campaña fotográfica realizada por el museo de Louvre el año 2007 con destino a República Dominicana, para comenzar una itinerancia bajo el concepto de exposición al aire libre, democratizando así el arte y dándole una misión de enseñanza.

La muestra abarca la pintura occidental del siglo XIII hasta mediados del XIX. Están representados casi todos los movimientos artísticos: Primitivos, Renacimiento, Manierismo, Caravaggismo, Clasicismo, Barroco, Rococó, Neoclasicismo, Romanticismo, Orientalismo y Escuela de Barbizon. No se encuentra presente el Impresionismo ni el Arte Moderno, ya que esas colecciones pertenecen al Museo de Orsay y del Centro Georges Ponpidou de París, que son competencia directa del Louvre.

La exposición va en orden cronológico, sin distinción, pero sí tienen una indicación de un color, para distinguir las diferentes escuelas, y al final del recorrido se puede ver un extracto explicativo de cada escuela, que son: italiana, francesa, del Norte, inglesa y española.

Lo interesante es que cada obra ha sido fotografiada en alta calidad y en su tamaño natural, por lo que podemos encontrarnos con una “Gioconda”, idéntica a su original. Se agradece este tipo de exposiciones fotográficas, ya que gracias a este recurso se promueve la cultura popular a través de su exposición en el corazón de las ciudades.

Los visitantes podrán acceder libremente, durante todo el día y la noche a esta muestra, que se realiza específicamente en “Caminito”, en el barrio La Boca, por lo que el recorrido está cargado de belleza, no sólo por las pinturas europeas, sino por la belleza propia de ese mítico barrio porteño, ubicado al final del mundo, tan lejos del Louvre.

Espero que la itinerancia continúe por todos los países de Latinoamérica, y consiga llegar a todas las ciudades más importantes, y así podamos ser todos espectadores de esa historia del arte, sin olvidar nuestra propia historia con nuestros propios artistas. Mirar hacia otras partes del mundo, se espectadores de exposiciones que vienen del extranjero, nos permite mirarnos a nosotros mismos, y a nuestro arte, con mayor claridad.

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Tal como en lo social, con el correr del tiempo la mujer comenzó a ocupar un papel más importante en lo artístico, dejando de estar por debajo del hombre. Comenzó a involucrarse en actividades consideradas masculinas y de la misma forma se acercó al arte sin ser tan mal vista.

En el siglo XIX ya es notoria la integración de la mujer como artista, pero todavía existían diferencias con los hombres. En las academias de bellas artes, por ejemplo, el valor de inscripción era mucho más alto que para un hombre y estaba totalmente prohibido el trabajo con modelo, muchas veces ocupaban figuras de yeso para sus clases de desnudo natural.

En el siglo XX la mujer ya se encuentra mucho más liberada en todo ámbito: comenzaban las luchas por su posición política: por el reconocimiento de su rol dentro de la sociedad, por satisfacer su necesidad de trabajo y la no discriminación de género. Todos estos hechos provocaron una gran revolución en la mujer y sobre todo en la mujer artista.

La consolidación del movimiento feminista ayuda  a la mujer a destacar en el arte y ser realmente considerada, además de incluir la diferencia de arte femenino, marcando un sello en la forma de trabajo y las temáticas tratadas. Como muestra de este cambio cabe destacar la obra la realizada en 1989 en Nueva York por el grupo de activistas feministas “Guerrilla Girls” (a la que pertenece la imagen de afiche ubicada en la parte superior izquierda de este atrtículo). Se denominaron así por usar tácticas de guerrilla para promocionar la presencia de la mujer en el arte a través de carteles en la vía pública.

¿Tienen que estar desnudas las mujeres para entrar en el Metropolitan Museum? Menos del 5% de los artistas de la Sección de Arte Moderno son mujeres, pero el 85% de los desnudos son femeninos.

Para comenzar noviembre, les dejo unos datos del panorama cultural de la semana “Arte femenino en Santiago”. Visite y opine si realmente es notorio el sello femenino en el arte actual o si la mujer todavía esta al margen del arte.

Construcción de Dos Miradas.

La muestra es de los artistas Josefina Guilisasti y Alvaro Oyarzún, ambos destacados artistas nacionales quienes trabajan  en torno a la pintura; cada uno a través de su propia línea de trabajo, pero poniéndolas en diálogo/tensión a través del montaje en conjunto.
El proyecto busca instalar dos miradas distintas sobre la pintura por medio de dos piezas autónomas que confluyen desde una misma perspectiva contemporánea. Los artistas construyen series que dialogan en un mismo espacio. Josefina por medio del uso de la pintura y su puesta en escena. Álvaro por medio del dibujo y el desplazamiento del formato pictórico.

Josefina Guilisasti expondrá una serie de pinturas (alrededor de 180) de diversos objetos de porcelana (vasos, tazas, platos, floreros, jarros, etc.) pintando, específicamente, los diseños florales que están representados en tales objetos

Terraza de Sala Cero: “Invernadero – Jardinero”

Según la artista Antonia López, “Invernadero – Jardinero” es un proyecto expositivo que consiste en una instalación que parte de la necesidad de citar escultóricamente la numerosa flora silvestre de nuestro país como resultado de viajar por éste. Según la artista, “este trabajo busca descubrir nuevos materiales y formulas para representar un pensamiento y sensación propia de la naturaleza. Comienzo a viajar y a sentir la necesidad intrínseca de observar silenciosamente el paisaje, las plantas, los olores y colores. Moverme dentro de la geografía lleva a que nazca la exposición Invernadero-Jardinero”.

Concurso taller “Arte en Vivo” 2009

Imperdible arte fresco, nuevo y obviamente también participan mujeres aquí.

Durante siete días (desde el 27 de octubre al 3 de noviembre de 2009) los alumnos realizarán su obra frente al público visitante en un gran taller abierto en el hall central del Museo Nacional de Bellas Artes.

La idea del concurso es difundir el arte y permitir al público conocer la puesta en escena de los diversos lenguajes plásticos. El evento además da a conocer el aprendizaje de la plástica al interior de cada universidad.

“Lecciones de Ego 2″ se títula la muestra que se expone hasta el 29 de Noviembre en la Corporación Cultural de Las Condes y que consiste en una selección de retratos que van desde 1723, hasta 2009. El año pasado se había realizado una versión “Lecciones de Ego” pero con una selección de autorretratos, esta vez ya no se trata de repasar la mirada que los artistas tienen de si mismos, sino de otros.

¿Quiénes son esos otros? Pues bien, la curaduría de esta muestra no se fijó solamente en personajes reconocidos de la sociedad chilena o en artistas, también se incluyen retratos de personajes absolutamente anónimos, pero que reflejan el cambio de tendencias, de hecho, uno de los expositores muestra una serie de retratos que son reproducciones pictóricas de una galería fotográfica de facebook.

Para apreciar los contrastes, hay que notar que las técnicas decimonónicas y barrocas buscaban un realismo casi perfecto en el resultado final, reflejando bien fuera la alcurnia o distinción del retratado. Los mejores sin duda fueron los retratos de Julio Zegers, Ministro de Hacienda, pintado en 1879 por el artista Ernesto Molina. También se destacan dos retratos de Guillermo Puelma Tupper (en la imagen derecha), uno de ellos pintado por el artista Pedro Lira en 1908. Recordemos que Puelma Tupper fue un reconocido médico, político, intelectual, periodista y poeta, que se desempeñó principalmente como diputado. Finalmente, también se deben destacar el “anonimato” de los protagonistas de los cuadros de Rugendas, artista alemán cuya obra tuvo especial significación para Chile, puesto que permite establecer una suerte de crónica histórica de la época. Rugendas vivó entre 1834 y 1842 en el país y la esta exposición rescata dos retratos de un caballero y una dama anónimos.

Entre los retratos de escritores (que habían pocos) quiero destacar por la huella que dejó en mi como espectador, el realizado a Jenaro Prieto, célebre autor de títulos como “El Socio” y “Humo de Pipa”, por el artista Pablo Vidor, de origen Húngaro, pero nacionalizado chileno. En este retrato podemos apreciar a Jenaro Prieto, pipa en los labios, y escribiendo, pero con una expresión que dista de la solemnidad de todos los retratados por esta época, sino más bien una expresión que lo muestra a punto de sonreir.

En la obra de los artistas contemporáneos, llaman la atención una serie de retratos basados en una galería de facebook, por el jovencísimo artista Francisco Bruna y un retrato de la gestora cultural Maya Castro, realizado en 2005 por Francisco Zegers.

De los contemporáneos, sin duda el más colorido y encantador es el de Gonzalo Ilabaca, “retrato de mi amigo Nacho Corcés” (en la imagen inferior derecha) del año 2005, que se destaca no por el empleo de colores muy alegres y fuertes que contrastan con la expresión melancólica del retratado y el entorno captado.

Sin duda la exposición logra captar los cambios principales a los que ha estado sujeta la técnica del retrato en Chile, desde mediados del Siglo XVIII hasta nuestros días, lo que sin duda no cambia es el deseo que tienen ambos, artista y retratado, de permanecer en la memoria de un tercero: el espectador.

La organización de este evento fue difícil y no sólo por la temática que aborda y el emplazamiento de que esta trienal abarcara todo Chile, se suma el problema de los artistas que se suben y se bajan de este evento, dejando vacíos desde antes que este comenzara (Eugenio Dittborn, quien sería el homenajeado central, por ejemplo).

Dejando de lado las cosas que pretendían ser y no fueron, se agradece romper los limites, como busca la temática central de esta “Trienal de Chile” y así llegar a regiones, pensemos que el arte ya de por sí es un tema difícil de tratar en Santiago.

En estos días es especialmente agradable ir a pasear a los museos más “importantes”, porque como nunca sus salas se encuentran llenas de cuadros y colores, cosa que no ocurre el resto del año, por el contrario es deprimente en ocasiones no especiales ir a un museo y contemplar sus grandes espacios vacios en sus solitarias salas blancas

Y como todo se concentra en la capital y es aquí donde vivo, recorrí los museos de Santiago para ver las exposiciones recién inauguradas la semana pasada.

• Exposición: “Lo impuro y lo contaminado 3: pulsiones (neo) barrocas en las rutas de micromuseo”
  Museo de Arte Contemporáneo (Parque Forestal). Curador invitado: Gustavo Buntinx (Perú)

Exposición bastante llamativa desde el momento en que se da el primer paso por el museo, debido al gran impacto visual que ésta provoca. Esta es una muestra que por todas sus aristas grita su origen peruano, y no sólo peruano sino latinoamericano, esto se refleja en el uso de color, símbolos e imágenes folclóricas que se desprenden. Es muy fácil sentirse familiarizado con esta muestra.

La exposición esta dividida en salas que abordan diferentes temáticas: políticas, culturales, históricas y religiosas, cuyos temas son trabajados provocando al espectador con su contenido y sugerencia alcanzada. Al presentar las obras se cae bastante en la erotización, lo que sucede en la sala del “Ejercito Rosa”, en particular me llamó la atención el trabajo de Cecilia Noriega: “utopia1 y utopía 2”, donde se muestran imágenes de tanques y aviones de juguetes chocando dentro de una luminosa imagen rosada con forma de corazón.

Otra sala bastante interesante es la del segundo piso que se titula “Buscando un Inka” y en la que se exhiben diversos objetos que llevan la palabra “Inka”, “la barbie inka”, “harina inka”, “inka kola”, revistas, diarios publicidad y diversos objetos que son presentados como objetos de deseo. De esta sala se puede desprender el concepto de fetichismo.

En general la muestra es bastante interesante de recorrer, constantemente uno se siente sumergido en un mismo ambiente por la gran similitud que existe entre las obras. El  montaje es bastante bueno sólo por algunas excepciones, como la dificultad para relacionar una obra con otra y la forma en la que estas fueron dispuestas (ejemplo de lo que digo es lo que sucede en la primera sala con la escultura echa con picos reciclados). Esta es una exposición totalmente recomendada y digna de reflexión, además de que, como nunca, el museo esta lleno de imágenes y el recorrido puede pasar de unos pocos minutos a varias horas reflexionando y sumergiéndose en “lo impuro y lo contaminado” de esta propuesta.

Lo cierto es que, si bien la convocatoria es interesante y — al menos eso esperamos — trae beneficios a todos aquellos artistas que quieren dar a conocer sus obras (y sobre todo venderlas), no estuvo a la altura de las otras ferias internacionales con las que se pretendió comparar. La disposición de las obras de arte no fue la más afortunada y algunas de ellas no se vieron favorecidas por la luz, mientras que otras estaban ubicadas de forma desprolija. En momentos primaba un ambiente de desorden, o bien la sensación de que todos estaban como en un mall a la búsqueda de zapatillas.

En cuanto a las obras de arte en sí, se notó pobreza. Con mi compañero de ruta en este recorrido por la feria, Miguel Estrugo (Director Artístico de 6Columnas), debatimos sobre la salud del arte contemporáneo, aunque antes discutimos largamente qué es arte. Y es que esa es toda una pregunta: “¿Qué es arte?” Cuando intentamos posibles respuestas a ese interrogante, corremos el riesgo de rozar la epidermis de los artistas y meternos con su trabajo que, mal que mal, su esfuerzo les costó. Sin embargo, nos aventuramos a reflexionar el arte como la materialización de una sensibilidad, la sensibilidad del artista, y también como una forma de comunicación que transmite algo al espectador, que interactúa con él, lo cuestiona o le afirma algo. Muchas de las obras que observamos en esta feria nos confirmaron que el arte cada vez se centra más en el artista y no en la obra. El arte se está cerrando en círculos de mercado, asunto que no es ni mucho menos un pecado, pero que está condicionando su esencia. Notamos también que los artistas parecen estar muy afanados en llamar la atención, en sobresalir, en demostrar que expresan, que pueden ser diferentes y desmarcarse y por ese afán están dejando de lado el criterio estético. Así como todos nos quejamos de la vertiginosidad del mundo actual y de lo complejas que pueden ser las relaciones humanas, el arte también está contaminándose de mercado y este lo está convirtiendo en un producto más como una lata de sardinas, o un rollo de papel higiénico.

La conclusión de lo expuesto por las galerías en esta Feria es que al arte le falta apuestas estéticas, pensar más la comunicación con el espectador, transmitir, asombrar, conmover. Al arte le falta convocar de tal manera que los espectadores no se paseen por las ferias como si fueran de compras, sino que se sientan la otra mitad, el espejo mismo de las obras expuestas.

En su discurso, la mandataria recalcó la importancia de que este evento sea un “diálogo entre varios países latinoamericanos” y “sólo por ese diálogo que se ha generado, ya se hace importante este gran esfuerzo“. Previo a su discurso, la presidente hizo un recorrido por la exposición inaugural en compañía del curador de la misma, el argentino Roberto Amigo, quien le enseñó y describió cada una de las obras expuestas. Una vez en su discurso, la presidente reconoció, entre risas, que “el curador general es paraguayo y el curador de la exposición inaugural es argentino y realmente ellos saben mucho más de historia de Chile y me han enseñado hoy. Sinceramente he visto obras en esta exposición inaugural que yo honestamente desconocía y fue el curador quien me estuvo explicando sobre este aspecto de la historia de Chile“.

La exposición inaugural “Territorios de Estado” recoge el resultado de una intensiva investigación realizada por el curador argentino Roberto Amigo (en la foto derecha) en colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes, el Museo Histórico Nacional, el Museo de la Biblioteca Nacional y en patrimonios privados de Concepción, Valparaíso y Viña del Mar. En la muestra se pueden observar pinturas de paisajes, dibujos, cartografías, manuscritos y publicaciones del Siglo XVIII  hasta 1910. Con estas obras se busca “explorar los límites del arte“, temática central de la Trienal y fundamento del llamado que hizo el curador general Ticio Escobar, quien también intervino en esta inauguración principalmente para agradecer a la Presidente de la República por la oportunidad de dirigir artísticamente este evento y aprovechó la ocasión para “entregar los saludos y respetos de parte del presidente Lugo“.

A partir de hoy, 5 de Octubre y hasta el 6 de Diciembre de 2009, se realizarán exposiciones, eventos y muestras de lo mejor del arte contemporáneo lationamericano. La Presidenta Bachelet hizo un llamado a visitar y disfrutar cada exposición y evento, recalcando además la relevancia de que esta Trienal represente a todo un país.

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