Una muestra itinerante de reproducciones en tamaño real de 122 obras del Museo del Louvre de París, se encuentra ubicado en el barrio popular La Boca, en Argentina, durante tres meses.

Esta iniciativa, titulada “Imágenes del Louvre. Seis siglos de pintura europea”, comenzó como una campaña fotográfica realizada por el museo de Louvre el año 2007 con destino a República Dominicana, para comenzar una itinerancia bajo el concepto de exposición al aire libre, democratizando así el arte y dándole una misión de enseñanza.

La muestra abarca la pintura occidental del siglo XIII hasta mediados del XIX. Están representados casi todos los movimientos artísticos: Primitivos, Renacimiento, Manierismo, Caravaggismo, Clasicismo, Barroco, Rococó, Neoclasicismo, Romanticismo, Orientalismo y Escuela de Barbizon. No se encuentra presente el Impresionismo ni el Arte Moderno, ya que esas colecciones pertenecen al Museo de Orsay y del Centro Georges Ponpidou de París, que son competencia directa del Louvre.

La exposición va en orden cronológico, sin distinción, pero sí tienen una indicación de un color, para distinguir las diferentes escuelas, y al final del recorrido se puede ver un extracto explicativo de cada escuela, que son: italiana, francesa, del Norte, inglesa y española.

Lo interesante es que cada obra ha sido fotografiada en alta calidad y en su tamaño natural, por lo que podemos encontrarnos con una “Gioconda”, idéntica a su original. Se agradece este tipo de exposiciones fotográficas, ya que gracias a este recurso se promueve la cultura popular a través de su exposición en el corazón de las ciudades.

Los visitantes podrán acceder libremente, durante todo el día y la noche a esta muestra, que se realiza específicamente en “Caminito”, en el barrio La Boca, por lo que el recorrido está cargado de belleza, no sólo por las pinturas europeas, sino por la belleza propia de ese mítico barrio porteño, ubicado al final del mundo, tan lejos del Louvre.

Espero que la itinerancia continúe por todos los países de Latinoamérica, y consiga llegar a todas las ciudades más importantes, y así podamos ser todos espectadores de esa historia del arte, sin olvidar nuestra propia historia con nuestros propios artistas. Mirar hacia otras partes del mundo, se espectadores de exposiciones que vienen del extranjero, nos permite mirarnos a nosotros mismos, y a nuestro arte, con mayor claridad.

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Me pareció que estorbaban. Uno puede considerar más o menos apropiados los demás ingredientes de la ‘puesta en escena’. En el Louvre, me pareció cómico ver aquellos enjambres de japoneses disparando sus cámaras al vidrio que protege la Mona Lisa, con su mítica sonrisa casi invisible detrás de los reflejos, cuando en la tienda del propio museo podían adquirir una reproducción perfectamente vívida en tamaño natural. Uno puede objetar la ordenación o la altura de los cuadros, o la maldita explicación únicamente en catalán, o incluso el terciopelo que tapiza las paredes. Pero los marcos me parecen absolutamente reprobables.

No es que siempre desentonen con el contenido del cuadro. Hay marcos que resaltan una u otra coloratura (en detrimento de las demás). Hay marcos que confieren aplomo a obras tímidas (o vistosidad a obras intimistas), marcos que atemperan pinturas estridentes, y marcos que, simplemente, se quedan ahí y no molestan. Pero un marco siempre altera la intención original del autor.

Supongo, claro, que en muchos casos habrá sido el propio autor quien haya escogido el marco para su cuadro. Pero el autor es responsable de su obra solamente hasta el borde del lienzo: más allá, está fuera de su territorio. Lo cual plantea un problema conceptual interesante: ¿exactamente dónde están los límites de una representación?

Los inventores del cine fueron más cautos (o más modestos) que los pintores, y decidieron rodear sus imágenes de un negro absoluto. En realidad, sólo un negro simbólico, que las rendijas de las puertas de salida, las linternas de los acomodadores y los pilotos de pasillos y salidas de emergencia se encargaron pronto de desmentir. Pero la diferencia esencial era otra: el cine no fue concebido como un arte decorativo. Desde las primeras imágenes de aquella locomotora entrando en una estación, los creadores de cine sospecharon que reproduciendo la realidad con la fidelidad de un espejo nunca podrían competir con los ángulos y aristas de la propia realidad. Una vez acostumbrado a la novedad, el público pediría más. Hubo que crear el lenguaje cinemátográfico.

Pero en un cuadro el lenguaje es estático. La mirada del espectador se pasea libremente por su superficie, y a lo largo de ese paseo selecciona, sopesa, compara, relaciona o evoca hasta donde su sensibilidad lo invita a hacerlo. El límite, de ese lado de la contemplación, es la curiosidad del espectador. Y, por si lo habíamos olvidado, las cuatro líneas rectas que delimita el marco.

Si la metáfora fuese la mesa de billar, podríamos decir que la mirada ‘rebota’ de uno a otro lado del rectángulo original. Con una diferencia: los marcos no son elásticos. Sobre el tapete del billar, el rebote es algo natural; sobre el lienzo, en cambio, es brusco y sin concesiones. Algo así como una señal de tráfico: Stop. ¿Por qué retornar a la obra de arte, en lugar de cruzar libremente la frontera entre la representación y la realidad? Para ser tierra de nadie, los marcos de los cuadros pintan demasiado.

Pero, incluso en ausencia de un marco, el problema parece irresoluble, porque las pinceladas de la obra de arte NO son la realidad, sino un trasunto de la realidad. Lo cual nos lleva a la única solución -desde mi punto de vista- tolerable: la cámara oscura.

La invención de la cámara oscura fue la consecuencia natural de una toma de conciencia. Y es que nuestro ojo no es, esencialmente, otra cosa que una cámara oscura. Me fascina la imagen de Vermeer van der Delft recluido dentro de un ojo para reproducir la imagen contemplada por sus propios ojos. Vermeer entendió el verdadero sentido, real y metafórico, de la pintura. Él fue el primero que intuyó por qué los marcos sobran. La pintura sólo tiene sentido como una ventana que nos asoma a la realidad de otro ser humano.

Sin que él lo sospechara siquiera, dos siglos antes de la invención del cine el germen del séptimo arte acababa de nacer. Porque ese otro concepto imprescindible, las aleluyas de ciego, hacía siglos que habían sido ya inventadas.

Lo único que faltaba, esencialmente, era una manivela.

Tal como en lo social, con el correr del tiempo la mujer comenzó a ocupar un papel más importante en lo artístico, dejando de estar por debajo del hombre. Comenzó a involucrarse en actividades consideradas masculinas y de la misma forma se acercó al arte sin ser tan mal vista.

En el siglo XIX ya es notoria la integración de la mujer como artista, pero todavía existían diferencias con los hombres. En las academias de bellas artes, por ejemplo, el valor de inscripción era mucho más alto que para un hombre y estaba totalmente prohibido el trabajo con modelo, muchas veces ocupaban figuras de yeso para sus clases de desnudo natural.

En el siglo XX la mujer ya se encuentra mucho más liberada en todo ámbito: comenzaban las luchas por su posición política: por el reconocimiento de su rol dentro de la sociedad, por satisfacer su necesidad de trabajo y la no discriminación de género. Todos estos hechos provocaron una gran revolución en la mujer y sobre todo en la mujer artista.

La consolidación del movimiento feminista ayuda  a la mujer a destacar en el arte y ser realmente considerada, además de incluir la diferencia de arte femenino, marcando un sello en la forma de trabajo y las temáticas tratadas. Como muestra de este cambio cabe destacar la obra la realizada en 1989 en Nueva York por el grupo de activistas feministas “Guerrilla Girls” (a la que pertenece la imagen de afiche ubicada en la parte superior izquierda de este atrtículo). Se denominaron así por usar tácticas de guerrilla para promocionar la presencia de la mujer en el arte a través de carteles en la vía pública.

¿Tienen que estar desnudas las mujeres para entrar en el Metropolitan Museum? Menos del 5% de los artistas de la Sección de Arte Moderno son mujeres, pero el 85% de los desnudos son femeninos.

Para comenzar noviembre, les dejo unos datos del panorama cultural de la semana “Arte femenino en Santiago”. Visite y opine si realmente es notorio el sello femenino en el arte actual o si la mujer todavía esta al margen del arte.

Construcción de Dos Miradas.

La muestra es de los artistas Josefina Guilisasti y Alvaro Oyarzún, ambos destacados artistas nacionales quienes trabajan  en torno a la pintura; cada uno a través de su propia línea de trabajo, pero poniéndolas en diálogo/tensión a través del montaje en conjunto.
El proyecto busca instalar dos miradas distintas sobre la pintura por medio de dos piezas autónomas que confluyen desde una misma perspectiva contemporánea. Los artistas construyen series que dialogan en un mismo espacio. Josefina por medio del uso de la pintura y su puesta en escena. Álvaro por medio del dibujo y el desplazamiento del formato pictórico.

Josefina Guilisasti expondrá una serie de pinturas (alrededor de 180) de diversos objetos de porcelana (vasos, tazas, platos, floreros, jarros, etc.) pintando, específicamente, los diseños florales que están representados en tales objetos

Terraza de Sala Cero: “Invernadero – Jardinero”

Según la artista Antonia López, “Invernadero – Jardinero” es un proyecto expositivo que consiste en una instalación que parte de la necesidad de citar escultóricamente la numerosa flora silvestre de nuestro país como resultado de viajar por éste. Según la artista, “este trabajo busca descubrir nuevos materiales y formulas para representar un pensamiento y sensación propia de la naturaleza. Comienzo a viajar y a sentir la necesidad intrínseca de observar silenciosamente el paisaje, las plantas, los olores y colores. Moverme dentro de la geografía lleva a que nazca la exposición Invernadero-Jardinero”.

Concurso taller “Arte en Vivo” 2009

Imperdible arte fresco, nuevo y obviamente también participan mujeres aquí.

Durante siete días (desde el 27 de octubre al 3 de noviembre de 2009) los alumnos realizarán su obra frente al público visitante en un gran taller abierto en el hall central del Museo Nacional de Bellas Artes.

La idea del concurso es difundir el arte y permitir al público conocer la puesta en escena de los diversos lenguajes plásticos. El evento además da a conocer el aprendizaje de la plástica al interior de cada universidad.

No he dicho que no haya agresividad en los animales. Dos machos pueden pelear hasta la muerte por una hembra, por un bocado de comida o por un territorio, pero nunca para cambiar el status quo. Probablemente tenemos que ascender hasta los primates para encontrarnos con situaciones claras de lucha por el poder. El macho dominante no es sólo el que disfruta de todas las hembras; también establece normas sociales. Y el triunfo frente a él implica la potestad de marcar normas de conducta.

Este esquema se sofisticó considerablemente cuando aparecieron los seres humanos. Desde antiguo, reyes y emperadores han sido envenenados, traicionados, ahogados, apuñalados en la cama o manipulados con el señuelo del sexo o la codicia para arrebatarles el poder. Es la historia de la Humanidad. Ocasionalmente, los marineros de un barco o los presos de una cárcel se han amotinado, pero sus móviles solían ser puramente materialistas. Si un esclavo se rebelaba era para recobrar la libertad, nunca para cambiar la decoración de la galera o para propugnar un cambio de paradigma en el sector del cultivo algodonero.

No se sabe muy bien de quién o de qué era esclavo Marcel Duchamp cuando, en 1917, puso en marcha la toma de poder más importante del siglo XX. Cierto día de ese año, apenas dos años después de llegar a Nueva York, Duchamp se presentó en la fábrica “J. L. Mott Iron Works”, en el 118 de la Quinta Avenida, y compró un urinario para hombres. Una vez en su taller, colocó el urinario en posición invertida, firmó en uno de sus bordes con el pseudónimo “R. Mutt”, y lo presentó a una exposición de la Society of Independent Artists con el título ‘Fuente’.

La obra fue rechazada, pero el proceso que él puso en marcha era imparable. A partir de aquel día, el centro de la obra de arte no sería ya la obra propiamente dicha, sino… el Artista, que desde ese momento quedaba autorizado a hacer lo que le viniese en gana para llamar la atención. La era de los medios de comunicación había comenzado.

El artista acababa de convertirse en un niño mimado de la sociedad y, como todos los niños mimados, tenía venia para perpetrar las gamberradas más contumaces, que arrancarían invariablemente una sonrisa de comprensión de los espectadores. Porque, desde Marcel Duchamp, el mundo no sería ya nunca más un conjunto de ciudadanos, sino una masa de espectadores. El proceso tardaría todavía varios decenios en consolidarse, pero su desenlace era inexorable: con la llegada del cine y de la televisión, los artistas y los ‘intelectuales’ terminarían arrancando a la Iglesia y al Estado una parcela nada pequeña del poder.

La nueva vía hacia el poder se llenó rápidamente de transeúntes. En los lienzos de los cuadros empezaron a aparecer trozos de vidrio, alpargatas, tornillos, insectos, detritus, serrín, trozos de periódico o mondas de patata. Los nuevos ‘artistas’ se lanzaron con entusiasmo a explorar el simbolismo del cuadro vacío, los sutiles matices del negro absoluto, la textura del excremento de vaca o las fotografías de Marilyn Monroe, hasta el punto de que en un museo contemporáneo uno puede confundir a veces la caja del extintor de incendios con una pieza más de la exposición que está visitando (a mí me ha sucedido).

¿Cuáles de todas esas maravillas son arte, y cuáles no lo son? Para decidir la respuesta a esta pregunta, la definición de la palabra ‘arte’ deberá ir tan lejos que abarque prácticamente cualquier cosa… con una única condición: que el autor sea un artista. En mi opinión, este nuevo concepto del arte como Gran Bazar confunde dos conceptos que siempre han estado presentes en la historia del arte, aunque hasta Marcel Duchamp eran todavía distinguibles: el arte y la decoración.

Del mismo modo que la cultura ha quedado fagocitada por el ocio (que es mucho más vendible), el arte ha terminado siendo un inerme Jonás engullido por la ballena de lo ornamental. Una vieja camiseta litografiada en la pared puede dar mucho prestigio si la firma al pie de la obra es de aquel pintor tan famoso que entrevistan los periódicos en su suplemento dominical. Y, si uno se hace a la idea y la pone frente a un jarrón apropiado, hasta queda elegante. Pero, para mí, ésa no es la pregunta.

La pregunta que yo me hago para decidir si una obra es o no arte es: ¿qué me dice esta obra de mí mismo? No es narcisismo. La única posibilidad de que alguien que no me conoce consiga decir algo sobre mí es que esté hablando de la condición humana. Que esté expresando universal, algo que a todos sea capaz de tocarnos, de conmovernos, de hacernos pensar. Y, aplicando ese filtro, el porcentaje de obras de ‘arte’ que pasan la prueba hoy sigue siendo tan escaso como en tiempos de Leonardo da Vinci.