Una muestra itinerante de reproducciones en tamaño real de 122 obras del Museo del Louvre de París, se encuentra ubicado en el barrio popular La Boca, en Argentina, durante tres meses.

Esta iniciativa, titulada “Imágenes del Louvre. Seis siglos de pintura europea”, comenzó como una campaña fotográfica realizada por el museo de Louvre el año 2007 con destino a República Dominicana, para comenzar una itinerancia bajo el concepto de exposición al aire libre, democratizando así el arte y dándole una misión de enseñanza.

La muestra abarca la pintura occidental del siglo XIII hasta mediados del XIX. Están representados casi todos los movimientos artísticos: Primitivos, Renacimiento, Manierismo, Caravaggismo, Clasicismo, Barroco, Rococó, Neoclasicismo, Romanticismo, Orientalismo y Escuela de Barbizon. No se encuentra presente el Impresionismo ni el Arte Moderno, ya que esas colecciones pertenecen al Museo de Orsay y del Centro Georges Ponpidou de París, que son competencia directa del Louvre.

La exposición va en orden cronológico, sin distinción, pero sí tienen una indicación de un color, para distinguir las diferentes escuelas, y al final del recorrido se puede ver un extracto explicativo de cada escuela, que son: italiana, francesa, del Norte, inglesa y española.

Lo interesante es que cada obra ha sido fotografiada en alta calidad y en su tamaño natural, por lo que podemos encontrarnos con una “Gioconda”, idéntica a su original. Se agradece este tipo de exposiciones fotográficas, ya que gracias a este recurso se promueve la cultura popular a través de su exposición en el corazón de las ciudades.

Los visitantes podrán acceder libremente, durante todo el día y la noche a esta muestra, que se realiza específicamente en “Caminito”, en el barrio La Boca, por lo que el recorrido está cargado de belleza, no sólo por las pinturas europeas, sino por la belleza propia de ese mítico barrio porteño, ubicado al final del mundo, tan lejos del Louvre.

Espero que la itinerancia continúe por todos los países de Latinoamérica, y consiga llegar a todas las ciudades más importantes, y así podamos ser todos espectadores de esa historia del arte, sin olvidar nuestra propia historia con nuestros propios artistas. Mirar hacia otras partes del mundo, se espectadores de exposiciones que vienen del extranjero, nos permite mirarnos a nosotros mismos, y a nuestro arte, con mayor claridad.

Páginas relacionadas:

www.louvre.fr

«¿Cómo se dice 22 en Innu?», es la pregunta que hace un joven de la tribu Naskapi, que recorrió desde el campo a la ciudad, en busca de otros aborígenes, que hoy en día viven adaptados a las costumbres de la ciudad. -«Nishunnu ashu nish^u»,, le responden. «¿Cómo se dice 1.000 en Innu?: peikutshishemitashumitannu». El Innu es la lengua materna de esta tribu que se encuentra aún viva en Canadá. «¿Cómo se dice un millón?»; esta vez ninguno de los encuestados responde. Creen que no existe ese número en Innu ya que la tribu nunca pensó nada en esa cantidad, ni de población, ni de animales, ni de tierras.

El joven decidió volver al campo, y preguntarle a un anciano Naskapi: – «¿cómo se dice un millón», a lo que el anciano respondió en Innu con la cifra en cuestión.

Este relato pertenece a un cortometraje que tuve el gusto de ver en una exhibición gratuita de la Cineteca Nacional, realizado por un joven Naskapi y que representa su grito ante la perdida de la cultura.

En Canadá existe la Corporación Wapikoni Mobile, creada por Manon Barbeau,  con la colaboración de “L´Office Nacional Du Film Du Canada”, que nace bajo la premisa de: «darle la palabra a los jóvenes de las primeras naciones», como declara la creadora de la corporación refiriéndose a los aborígenes de una zona de Canadá, los Naskapi.

El proyecto consiste en viajar, a través de dos casas rodantes, por distintas comunidades aborígenes de Canadá. Estas casas rodantes están readaptadas y equipadas con un estudio audiovisual. Tiene incorporada una mesa de edición (consistentes en dos Mac G5 con Final Cut para la edición de imagen y Pro Tools para el audio), una sala de audio cerrada, tres cámaras semiprofesionales (las famosas PD-170), mesas de reuniones, además de un grupo de “cineastas capacitadores”.

Estos estudios móviles y rodantes llegan a cada comunidad y capacitan a los jóvenes que ahí viven para que estos emprendan proyectos audiovisuales que les permitan expresar sus ideas, inquietudes y miradas de su entorno. Luego, plasman todo en distintos formatos audiovisuales: video clip, cortometrajes, micro-documentales y animación.

Tienen grabaciones hechas desde el 2004 y llevan alrededor de 13 millones de piezas audiovisuales. Las principales preocupaciones que manifiestan los jóvenes son: la pérdida del lenguaje nativo, el Innu; la dificultad en encontrar su propia identidad al vivir entre campo y la ciudad; la pérdida de respeto a sus ancestros y, finalmente, las consecuencias que tienen cada uno de estos hitos en sus vidas y su generación.

Wapikoni Mobile pasó por Chile, enmarcado en una gira internacional que realizan acompañados de algunos jóvenes realizadores Naskapi con el fin de difundir su cultura, mostrar las piezas audiovisuales, que son de gran calidad y por último dar cuenta del tipo de proyecto que se puede emprender.

Visionamos más de 10 cortometrajes, todos con subtítulos en español. Y un detalle que pueden apreciar los amantes del cine es que los créditos de cada pieza estaban todos traducidos al español, tanto los del comienzo como los del final.

Otra actividad que realizaron fue visitar algunas comunidades mapuches en el sur de Chile. Y cerraron la gira en nuestro país con una muestra audiovisual en la Cineteca Nacional, apoyada por la Embajada de Canadá. Era “la gran noche”, como ellos mismo indicaron, y realizaron un acto en vivo, en donde una realizadora Naskapi cantante, interpretó tres temas preciosos en guitarra y percusión, todo con una naturalidad y espontaneidad muy agradables, que nos movilizó a todos los presentes a seguir el ritmo de su canto con los pies hasta incorporarnos de las butacas como si danzáramos. Espectacular.

Esta gran noche cerró con sólo 15 espectadores en sala de la Cineteca, a pesar de que la entrada era liberada. De todos modos, el aplauso que se llevaron representó fielmente a las varias butacas que quedaron vacías.

Pueden seguir este proyecto leyendo en la página principal de Wapikoni Mobile, o bien, consultando en la Embajada de Canadá.

Link de interes:

http://www3.nfb.ca/aventures/wapikonimobile/excursionWeb/index.php (página oficial del proyecto)

http://www.youtube.com/watch?v=N9AfokI40uA (un video clip)

http://www.youtube.com/user/lewapikonimobile (algunos videos de Wapikoni)

Carlos, ¿Cómo llegaste al mundo del cómic?

Como es habitual en todo lo que uno termina haciendo de adulto, llegué a la historieta cuando era pequeño. Mi padre trabaja en la imprenta de Zigzag, que luego pasó a llamarse Quimantú y él siempre me llevaba revistas que les regalaban. Recuerdo al despertar un montón de revistas apiladas a los pies de mi cama. Sin saberlo mi papá estaba forjando mi futuro. Yo aprendí a leer con esas historietas chilenas y me convertí pronto en un lector voraz y omnívoro.

Tú eres conocedor de distintas áreas: cine, televisión, literatura. ¿Qué encontraste en el cómic?

Yo estudié audiovisual y me especialicé en la escritura de guiones y en la narrativa gráfica encontré lo mismo que en el cine y la TV, pero con una gran diferencia: la garantía del control absoluto de tu obra. Ni siquiera el cine de autor independiente tiene tanta libertad como la historieta de autor puede llegar a ofrecer. La historieta también aborda todos los géneros, estilos y temas. Yo lo veo simplemente como otro medio en que podemos expresarnos, un medio maduro y fascinante para explorar artísticamente.

Cuéntanos, por favor, un poco sobre el Dr. Mortis. ¿Cómo fue la evolución de radioteatro a cómic?

El Dr. Mortis es sin duda uno de nuestros personajes de historieta chilena más conocidos junto con Condorito y Mampato y creo que su popularidad viene dada por la calidad de su propuesta y por haber intuido esto que hoy llamamos pomposamente multimedial. Mortis nació como radioteatro en el año 1945 en Punta Arenas gracias a la inventiva de Juan Marino. Lo maravilloso es que desde ese momento el personaje se mantuvo casi interrumpidamente al aire hasta fines de los 70, época en que se emitieron los últimos capítulos, aunque después se ha seguido reponiendo en diversas radioemisoras. La historia nos dice que en el año 1966, 1967, Juan Marino recibió la invitación de empezar a producir una historieta de su personaje “El Siniestro Dr. Mortis” con gran éxito. Esto nos habla de un país que producía entretención masiva, popular, con producción local, cosa que era maravillosa, y lo más importante, sin menospreciar al público.

Háblanos sobre el proceso de la historia, o dicho de otro modo: ¿Cuáles son los pasos a seguir para desarrollar un cómic?

Muchos piensan que habitualmente esto de hacer comics, narrativa gráfica o historietas se trata únicamente de dibujar y no estoy de acuerdo. Es un proceso largo en que el  hecho de dibujar bien no es suficiente. Se trata de un trabajo siempre pésimamente pagado comparado con el esfuerzo que demanda. Al igual que en otros medios todo parte por una idea loca en la cabeza de alguien. Esa idea se plasma en un guión que pasa por casi las mismas fases que el guión de un film (storyline, argumento, tratamiento y guión final) aunque mantiene diferencias estructurales importantes, pues en la historieta no sólo se piensa en escenas, sino también en una cadencia que tiene que va de página a página, de viñeta en viñeta y que debe enfrentar un desafío complejo: simular movimiento y vida sobre una página inmóvil. El guionista puede o no dar indicaciones muy precisas de cada página (esto varía según la forma de trabajo entre cada artista) Hay muchos casos en que dibujante es también su propio guionista. Luego viene la discusión de la atmosfera y tono de la historieta y la creación del aspecto de los personajes. Una vez definido lo anterior, el dibujante hace un layout, esto es un boceto rápido de las páginas para revisar lo más importante de todo – independiente de si tu dibujo es maravilloso o mediocre- y es que la narración de la historia debe ser fluida y comprensible para cualquier lector del mundo. Este es el secreto de una buena historieta, lograr comunicarlo que se quiere con claridad. Luego de este borrador, vienen las correcciones y recién se puede comenzar a hacer el lápiz de las páginas definitivas que luego deben ser pasadas a tinta y coloreadas, si es el caso. A veces el dibujante debe documentarse si quiere dibujar lugares precisos o si está embarcado en un trabajo histórico por ejemplo. El guión todavía puede sufrir cortes o ajustes hasta el final del proceso y lo ideal es que así suceda, pues el profesionalismo también es la capacidad de evitar enamorarte de tus propias palabras o dibujos, pues todo debe estar al servicio de la narración. Otro proceso es el de poner los textos a las páginas. Muchos dibujantes rotulan su propia historieta, lo que es también un trabajo largo, aunque la tecnología digital ha ayudado mucho a agilizar estos procesos. Recién ahí la producción artística acaba y comienza la labor editorial y de distribución y bueno, la pega de los lectores que es leer y apoyar lo que les gusta.

Cuéntanos cómo nació el programa de radio online “Viñetas al fin del Mundo” y de qué trata

Ese programa es una idea de Ricardo Vega y nació a partir del 1º festival que organizamos con él y el centro Cultural de España y el encargado de la radio online de esa entidad, Francisco Conejera. La idea es hacer un programa de reflexión, de discusión sobre la narrativa gráfica chilena y sus autores. Creo que los creadores de historieta, los editores y el público necesitan escuchar y confrontar opiniones. Estamos frente a una especie de revaloración de la historieta local y eso exige un proceso de profunda reflexión de lo que hacemos. El programa radial de “Viñetas del fin del mundo” busca eso y por si les interesa les cuento que se emite todos los miércoles a mediodía en la radio online del centro Cultural de España.

¿Cuál es la situación del cómic en Chile? ¿en qué proceso se encuentra?

Esta en un momento muy bueno. Los medios de comunicación se interesan por el tema. Los editores están publicando material de autores locales. Creo que la historieta se ha vuelto cool, he visto cómo ha cambiado el discurso sobre ello. Todos hablan de novelas gráficas a veces sin saber exactamente qué quiere decir el término y eso es muy bueno, pero a cambio de este incipiente renacer, por llamarlo de alguna manera, se debe entregar calidad. Tenemos que hacer trabajos de alto nivel y con temáticas propias  y como dije antes, sin menospreciar a los lectores y dar cabida a todas las expresiones que la riqueza de este lenguaje puede ofrecer.

¿Ergocómics?

Es uno de los grupos a los que pertenezco y que nació en 1996 aproximadamente y que mantiene uno de los sitios web más serios que conozco y que ya cumplió poco más de 10 años en internet hablando de historieta de autor chilena y latinoamericana. También hacemos publicaciones y un festival anual de historieta desde el 2003. Es un proyecto al que le tengo mucho cariño y respeto.

¿Qué esperas de la historieta chilena?

Estoy a la espera de una historieta chilena, madura, sólida que hable de nuestra realidad, de lo que somos, aún en medio de la fantasía más delirante. Espero un personaje que de cuenta de nosotros, un nuevo Condorito o Mortis, no sé. Pero veo el trabajo de muchos de mis colegas y creo que lentamente eso se está construyendo.

¿Cómo se relaciona la historieta con el medio digital?

Tanto como cualquier otro medio que ha sido invadido por estas increíbles tecnologías. Hoy existen las tabletas de dibujo y programas como el mangastudio que ayudan al proceso de dibujar historietas, pero que de nada sirven si no existe el talento para hacerlas. Como siempre la tecnología es un medio, una herramienta fascinante para hacer lo mismo de antes, pero de nuevas maneras.

Woody Allen ha reconocido en un libro biográfico que no ve películas, no lee diarios, ni ve televisión. No tiene idea qué se está estrenando en las salas de cine. Y así hace sus películas, en blanco. ¿Existe en el cómic esa posibilidad, es decir, que se pueda escribir sin ser un experto, ni un historietófilo?

Siempre. Es una prerrogativa de cualquier artista en cualquier medio. Ya no recuerdo si era Orson Welles o Luis Buñuel que decía que podía enseñarle a cualquiera a hacer una película en una par de fines de semana. Creo que ambos caminos son válidos. Habrán los que digan que para hacer algo se debe ver todo lo que se ha hacho antes al respecto y otros que afirmarán lo contrario. Todo tiene que ver con el método personal que te hayas creado. Ninguno de estos caminos asegura encontrar la obra maestra. En lo referido a la magia no hay recetas.

Enlaces relacionados (se pueden bajar historietas completas y varias otras cosas)

http://www.ergocomics.cl/

http://www.mortis.cl/

http://www.ccespana.cl/radio/audio_10/audio_10.html (Programa radial “Viñetas al fin del Mundo”).

“Un documental – define – es una historia contada y fabricada con elementos de la realidad. La realidad no es objetiva, de hecho, es tan subjetiva y caótica que para acercarnos a ella debemos transformarnos en un jazzman, y saber improvisar en todo momento” – refiriéndose a la figura del realizador documental.

A lo largo de las cinco jornadas, el director de “La Batalla de Chile” aborda el documental de autor, esquematizando cada clase según las partes en las que se divide el proceso de la realización de un documental, que el mismo define en: idea, dispositivo, sinopsis, investigación, guión imaginario, presupuesto y metodología del rodaje, para luego lanzarse de lleno a la grabación.

Después de cada explicación ejemplifica con un fragmento escogido de algún documental. La myoría eran piezas extranjeras que no transitan por nuestro país, por lo que los asistentes pudimos gozar de una muestra privilegiada.

Uno de los primeros documentales que mostró y que hasta ahora recuerdo, porque se me ha venido a la cabeza día a día, trataba sobre un artista belga y se titulaba “Tras Los Pasos de Francis Alÿs” (2006), de Julien Devaux. Patricio estaba explicando aquellos documentales que comienzan con un plano inolvidable. Se los relato:

En negro, escuchamos una respiración agitada, vemos un par de créditos. Se abre el plano y vemos algo así como un desierto, y al fondo un enorme remolino de viento y polvo. La respiración se agita más, distinguimos que le pertenece al cameraman. El remolino parece irse hacia un costado, y el camarógrafo sale al encuentro. La cámara es inestable debido al trote del hombre de la cámara, pero se ve todo con mucha claridad. El torbellino se acerca a toda velocidad hacia él, con una fuerza colosal que termina por sobrepasarlo, sin titubear. Es muy impactante, y resultó ser que era el mismo Francis Alys quien hacía la cámara, puesto que estaba realizando una performance.

Con ese comienzo se tiene asegurado por lo menos veinte minutos de espectador, afirma Patricio Guzmán, entre risas de nosotros, los asistentes.

Visionamos casi un centenar de piezas audiovisuales, que me pregunto dónde podré conseguir para verlas completas. ¿Por qué no existen en Chile agentes culturales que distribuyan documentales? Y es que obras de esa calidad, estoy segura, muchos las querrían ver.

Las cadenas televisivas chilenas; las cadenas de cine; la de arriendos de videos y “productores de programación” -que nadie conoce-, dicen y fomentan que nadie quiere ver documentales, porque son lentos y aburridos, pero la verdad es que eso no pasa del prejuicio, y lo digo después de haber visionado varios documentales de diferentes temáticas y procedencias.

Guzmán cree que el documental es como la música de cámara, con pocos elementos en escena, pero que requiere un canal inteligente de exhibición. La música de cámara, por ejemplo, tiene un lugar especial  para que su ejecución sea bien recibida por el público, y el cine documental también necesita un espacio adecuado. Claramente no sería buena idea colocar un documental junto a la sala de un súper estreno de la taquilla norteamericana.

Para ir cerrando, en líneas generales la definición y posible “función” hoy en día del documental de autor es: la interpretación personal de un tema, parecido a una fotocopia retocada de la realidad, como el mismo Guzman ejemplifica. Es un género que se presenta ante el realizador como un camino de conocimiento, por el cual se exploran vidas y temáticas infinitas que permite introducirnos en la vida y en nuestro entorno. Ante la sociedad y los espectadores se articula, en muchos casos, como la contra-información de estos tiempos. Tiempos en que estamos enfrentados ante una televisión con un infantilismo audiovisual desbordante y medios de comunicación que se mueven entre lo farandulero y el atontamiento ciudadano.

Me pregunto, ¿Quién dijo que los chilenos no queremos ver documentales?, y ¿quién dijo que preferimos realities en nuestro canales nacionales? ¿Cuántos de nosotros preferiríamos ver “Tras Los Pasos de Francis Alÿs”, en vez de algún capítulo de un programa farandulero? O me pregunto: ¿cuánto sabemos de los presos de Tazmamart, en Marruecos? (es un documental espectacular que se llama “Vivir en Tazmamart” (2005), de Davy Zilberfajn), ¿quién dice que preferimos ver telebasura antes que ver un buen documental?: ¡El raiting!. ¿El raiting?… Vamos…

Si quieren informarse más, les cuento que Patricio Guzmán realiza este seminario casi todos los años, y la verdad es un lujo escuchar y dialogar con este tremendo documentalista nacional, que no se cansa de luchar y filmar nuestro Chile, para que aquellos que olvidan, no olviden; para aquellos que no miran, miren; para aquellos que no escuchan, escuchen y para aquellos que no saben, sepan  y así podamos construir una sociedad de verdad, menos cínica y más conectada con nuestra identidad.

Enlaces recomendados:

http://www.culdoc.cl/ (corporación cultural documental)

http://www.patricioguzman.com/